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6 Möglichkeiten, Ihre Leidenschaft loszulassen

6 Möglichkeiten, Ihre Leidenschaft loszulassen

Ich habe mit Calvin Goodman gesprochen, dem Autor von Art Marketing Handbuch (Gee Tee Bee Publications, Los Angeles, Kalifornien), kurz nach Abschluss meines Blogposts über die Erfassung einer Ähnlichkeit in der Porträtmalerei. Ihnen fehlt ein Gefühl für die Emotionen des Subjekts oder die Leidenschaft des Künstlers. "

Calvin und ich haben ein bisschen mehr darüber gesprochen, was es für Künstler wirklich bedeutet, ihre persönliche, emotionale und einzigartige Reaktion auf eine Landschaft, ein Stillleben oder ein Porträt hinzuzufügen. Oft kommt es im individuellen Stil des Umgangs einer Person mit Pastellfarben, Ölen, Aquarellen oder Zeichenmaterialien zum Ausdruck. aber häufiger wird dies durch die verschiedenen Entscheidungen vermittelt, die Künstler über die von ihnen gewählten Themen treffen, und durch die Art und Weise, wie sie den Betrachter in die Erforschung dieser Themen einbeziehen. Andrew Wyeth drückte seine Gefühle aus, indem er spärliche Winterlandschaften malte, in denen nachdenkliche Figuren allein auftauchen, während John Singer Sargent seine Reaktion auf das vergoldete Zeitalter mit gestischen Darstellungen elegant gekleideter Adliger festhielt. Wenn wir uns die Gemälde dieser Künstler ansehen, spüren wir, was in ihren Herzen und Gedanken gewesen sein muss.

Es ist nicht immer leicht zu sagen, warum ein Künstler seine Leidenschaft vermitteln kann und ein anderer nicht. Dies ist einer der Fälle, in denen Sie möglicherweise nicht definieren können, warum etwas passiert, aber Sie wissen es, wenn Sie es sehen. Ich denke jedoch, dass es Möglichkeiten gibt, wie Künstler die Wahrscheinlichkeit erhöhen können, dass ihre Zeichnungen und Gemälde ihre Leidenschaft ausdrücken. Hier sind einige Vorschläge, die mir eingefallen sind. Ich würde es begrüßen, wenn Sie einige Ihrer eigenen hinzufügen würden.

  1. Malen Sie, was Sie wissen. Dies ist ein allgemeiner Ratschlag von Künstlern mit Profil Amerikanischer Künstler. Der Vorschlag ist, dass Sie, wenn Sie mit dem Zeichnen oder Malen eines Motivs beginnen, zu dem Sie eine starke Bindung haben - ein geschätztes Objekt, ein Familienmitglied, der Blick aus Ihrem Fenster -, mit größerer Wahrscheinlichkeit aufzeichnen, was Sie über dieses Motiv denken.
  2. Erinnere dich an deine Ziele. Viele der Instruktoren in Werkstatt Magazin bitten die Schüler aufzuschreiben Warum Sie haben beschlossen, ein bestimmtes Motiv zu malen und während des gesamten Zeichen- oder Malprozesses auf diese Notiz zurückzugreifen. Wenn ein Künstler beispielsweise das in einer Kristallschale reflektierte schimmernde Licht notiert, kann er von seinem Gemälde zurücktreten und fragen, ob dieses schimmernde Licht immer noch das hervorstechendste Element im Bild ist oder nicht. Ist dies nicht der Fall, weiß der Künstler, dass es an der Zeit ist, Anpassungen an Farben, Formen oder Werten vorzunehmen.
  3. Legen Sie das Referenzmaterial beiseite. Zeichnung In der Zeitschrift werden häufig Künstler vorgestellt, die ihre Fantasie erforschen, wenn sie Kohle-, Tusche- oder Conté-Zeichnungen von Tieren, Menschen oder imaginären Orten erstellen. Sie legen Referenzfotos, vorbereitende Skizzen und Kompositionsstudien beiseite und ermöglichen es ihren Gedanken und Händen, sich frei von einer Markierung auf dem Papier zur nächsten zu bewegen. Am Ende wird das Bild zu einer leidenschaftlichen Mischung aus dem, was sie wissen und was sie träumen.
  4. Malen Sie weiter durch die Herausforderungen. Künstler profiliert in Aquarell Zeitschriften identifizieren oft einen Punkt im kreativen Prozess, an dem sie denken, dass alles schief geht. Dies liegt häufig daran, dass die einzelnen transparenten Farbschichten bis zur letzten Phase des Malprozesses nicht gut zusammenarbeiten. Der Rat, den diese Künstler oft geben, ist, die Herausforderungen und Unsicherheiten zu bewältigen, anstatt aufzugeben. "Genießen Sie jeden Teil des Prozesses und sorgen Sie sich nicht darum, ein vorgefasstes Bild im fertigen Gemälde zu realisieren", sagte ein erfahrener Künstler. "Selbst wenn Sie das Gemälde zerstören, haben Sie etwas Wertvolles gelernt, um es auf die nächste Anstrengung anzuwenden."
  5. Lassen Sie einige Bereiche geheimnisvoll. Eines der Dinge, die ich an Gemälden von Richard Schmid, Daniel Gerhartz, Dawn Whitelaw und Susan Lyon bewundere, sind die Bereiche, die lose definiert bleiben. Das heißt, der Raum, der ein dicht gerendertes Gesicht oder eine Platte umgibt, ist mit breiten, gestischen, kräftigen Farbstrichen und freiliegenden Bereichen der Leinwand gefüllt, die darauf hindeuten, was dort sein könnte. Ich spüre die Energie und Aufregung der Pinselführung, während ich mir vorstelle, was in diesem Abschnitt des Stilllebens oder Porträts vor sich geht. Dieses Gefühl des Mysteriums stimuliert eine emotionale Reaktion, die mit der Leidenschaft verbunden ist, mit der das Bild entwickelt wurde.
  6. Malen Sie das gleiche Motiv erneut. Eine der besten Übungen in a Werkstatt Der Zeitschriftenartikel malte das gleiche Thema ein zweites Mal. Der Ausbilder sagte, dass die Teilnehmer, nachdem sie die prozeduralen Aspekte des Malens einer Figur oder Landschaft - Zeichnung, Kompositionsanordnung, Farbmischungen usw. - gelöst hatten, nicht mehr so ​​viel über diese Themen nachdenken mussten und in die Handlung eintauchen konnten der Malerei. Es war faszinierend, die beiden Bemühungen zu vergleichen, und alle Künstler in der Werkstatt wussten, dass ihr zweites Gemälde ihre Gefühle für das Thema besser zum Ausdruck brachte.


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