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Erinnerungen eines Zeichners

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Eine gekürzte Version dieses Artikels erscheint in der Sommerausgabe 2016 von Zeichnung Magazin, das sich den Skizzenbüchern von Künstlern widmet und Skizzenunterricht, Ratschläge zum Skizzieren von Materialien und fertige Skizzenbuchzeichnungen verschiedener Künstler enthält. Klicken Sie hier, um die Ausgabe zu kaufen, oder klicken Sie hier, um sie zu abonnieren Zeichnung.

Von John A. Parks

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Ich wurde ab Ende der 1960er Jahre im englischen Kunstschulsystem ausgebildet, als man mit 16 Jahren anfangen konnte. Ich musste viel Zeit mit Zeichnen verbringen. Anfangs war ich kein großer Zeichner, da ich mit der vagen Idee, Industrie- oder Produktdesigner zu werden, ins Feld gekommen war. Ich hatte keinen besonderen Hintergrund in der Kunst. Doch bald wirkten die unzähligen Stunden, in denen einfache Gegenstände betrachtet wurden - trübe und pelzige Bleistiftzeichnungen von Federn, Bechern, nackten Modellen und Ansichten über die kargen Abfälle des Schulparkplatzes - wie die harmlosesten Drogen. Ein genauer Blick auf die Welt um mich herum erwies sich als aufschlussreich auf eine Weise, auf die keines der Halluzinogene, die damals die Runde machten, jemals hoffen konnte.

Als meine Lehrer, die größtenteils freundlich waren, mich zwangen, Winkel, Proportionen, Formen und Konturen zu betrachten, nahm die Welt ein unendlich komplexeres Aussehen an. Ich wurde gezwungen, Tonverhältnisse durch Kohlezeichnung zu untersuchen, und plötzlich war alles, was ich betrachtete, voller subtilster Tonverschiebungen. Der Blick auf den Lichteinfall an einer leeren Wand war jetzt faszinierend. Die Welt der Farben, die ich bisher nur als eine kleine Palette von Vorwahlen angesehen hatte, erweiterte sich zu einer Vielzahl wechselnder Farbtöne, die auf unerwartete Weise miteinander sprachen. Jedes Mal, wenn ich meine Augen öffnete, wurde ich in ein Universum getaucht, das voller Reichtümer war. Für mich war die Erfahrung, Zeichnen und Malen zu lernen, eine Erfahrung der Erweiterung und Vertiefung der Wahrnehmung, eine neue Aufregung, am Leben und in der Welt zu sein.

Fähigkeiten erweitern

Mit dem Sehen besserer körperlicher Fähigkeiten ging auch das Training aller motorischen Muskeln einher, die erforderlich waren, um die Berührung und den Schwung von Zeichen- und Malgeräten zu bewältigen. Nach Monaten des Schmerzes und des Kampfes gab es immer mehr Momente der Freude, Passagen des Zeichnens zu verhandeln, bessere Berührungen und eine interessantere Oberfläche zu erzielen.

Als junge Schüler diskutierten wir darüber, welche Qualitäten im Zeichnen wünschenswert waren, und nach und nach führten uns unsere Lehrer in Reproduktionen von Meisterzeichnungen ein - Raphael, del Sarto, Rembrandt und Rubens sowie verschiedene moderne. Es war leicht zu verstehen, warum eine Michelangelo-Zeichnung bewundert wurde, aber was ist mit diesen losen und schnellen Zeichnungen von Matisse? Und was war so toll an de Koonings rasenden Holzkohlen? Wir gingen zum Museum, um uns mehr anzusehen. So wurde das Zeichnen zu einem Weg in die Kunstgeschichte, nicht im trockenen Sinne des Kategorisierens und Auswendiglernens von Perioden, Epochen, Stilen und Daten, sondern um zu verstehen, was Zeichnen und Malen tun könnten und welche Art von Dingen wir jungen Studenten möglicherweise irgendwann können von.

Meine vom Bauhaus stark beeinflussten Lehrer organisierten Zeichenprojekte gern in drei Phasen. Zuerst kam die „objektive“ Zeichnung, bei der der Schüler das Thema so genau wie möglich betrachten und es leidenschaftslos untersuchen musste. Es folgte eine „analytische“ Zeichnung, in der Informationen über bestimmte Eigenschaften des Objekts vermittelt werden sollten. An dritter Stelle stand die „synthetische“ Zeichnung, in der wir anhand unserer Analyse einen Begriff des Objekts wieder zusammensetzen sollten. Ein Projekt zum Thema „Strömung“ könnte daher mit einer sorgfältigen objektiven Zeichnung des durch eine Spüle fließenden Wassers beginnen, in der das Erscheinungsbild so genau wie möglich aufgezeichnet wurde. Die analytische Phase könnte eine schematischere Version mit Pfeilen und Notizen sein, die die Richtung verschiedener Bewegungen und Wirbel anzeigen. Die synthetische Version könnte eine vereinfachte Wiedergabe einer archetypischen fließenden Bewegung sein, die von den vorherigen Zeichnungen abstrahiert wurde.

Dieser Prozess hatte Anwendungen für die Entwicklung von Designs und abstrakten Gemälden, machte uns aber auch bewusst, dass ein Objekt auf viele verschiedene Arten gesehen und verstanden werden kann. Es entstand die seltsame und aufregende Möglichkeit, dass das Objekt tatsächlich nicht in einem absoluten Sinne existierte, sondern nur seine besondere Form in Bezug auf uns und die Art und Weise annahm, wie wir es betrachteten. Wir haben Descartes oder Husserl nie gelesen, aber wir haben uns auf eine Weise in grundlegende Fragen über unsere Beziehung zur Welt gestürzt, die aktiv war und oft großen Spaß machte. Berauschendes Zeug für Kunststudenten im Teenageralter!

Zeichenmedien passend zum Anlass

Das Zeichnen ist seitdem einer der Eckpfeiler meiner Praxis, ein Mittel, um Ideen zu erforschen, sich mit der Welt zu verbinden und auf das reine Vergnügen des Schauens zuzugreifen. Ich zeichne in den meisten traditionellen Medien: Kohle, Bleistift, Feder und Pinsel und Aquarell. Die Wahl ändert sich mit den Jahren und dem Projekt. Wenn ich zum Beispiel meinen Weg in ein großes Gemälde finde, kann ich Kohle zeichnen, was eine breite Masse, suggestive Texturen und eine schnelle Anwendung ermöglicht. Es ist ein staubiges Vergnügen, mit viel Platz, um weißes Papier mit dem Radiergummi zurückzuschlagen oder Tonübergänge mit einem Stumpf auszuführen.

In meinen Skizzenbüchern zeichne ich größtenteils mit Feder und Tinte. Wenn ich im Studio bin, benutze ich einen Dip-Pen und verschiedene Zeichenfedern, hauptsächlich aus den Speedball-Sets. Es gibt immer eine grundlegende Aufregung mit Feder und Tinte aus dem einfachen Grund, dass es kein Zurück mehr gibt. Jede Linie wird bleiben, und dies fokussiert den Geist wunderbar. Flexible Stahlspitzen geben herrliche Dicken und Dünne und ermöglichen eine stilvolle Linie, wenn Sie es schaffen. Gelegentlich mache ich eine Zeichnung mit einer Gänsefeder und bin immer noch begeistert, einen „alten Meister“ -Look für das Stück zu bekommen. Ich nehme Gänsefedern in der Nähe des Teiches den Hügel hinauf aus meinem Studio und bewahre sie nach Gebrauch auf. Ein Jahr habe ich sehr viele Blätter geschnitten, inspiriert von Van Goghs Blattstiftzeichnungen. Ich habe die Technik ausprobiert, konnte aber nie ganz das „Geben“ in der Linie bekommen, die er zu schaffen schien. Er muss eine andere Art benutzt haben.

Ich habe gelegentlich in Conté gezeichnet, aber ich bin kein Fan von mechanischen Stiften und noch weniger von Markern jeglicher Art - sie wirken im Großen und Ganzen laut und unempfindlich. Wenn ich mit meinem Skizzenbuch unterwegs bin, benutze ich einen Füllfederhalter. Ich mag den Rotring Art Pen eher, aber ich habe auch verschiedene antike Füllfederhalter, die ich bei eBay gekauft habe. Ich verwende im Allgemeinen eine Sepia-Tinte, die sich gut mit einer Sepia-Aquarellwäsche kombinieren lässt, wenn ich Töne blockieren möchte, und sogar mit vollem Aquarell gut funktioniert.

Die vielfältigen Verwendungsmöglichkeiten des Skizzenbuchs

In den letzten Jahren haben sich meine Skizzenbücher drei Grundthemen gewidmet. Die erste umfasst Studien von Meisterzeichnungen und Gemälden, Dinge, die ich getan habe, um mich mit Werken vertraut zu machen, die ich bewundert habe. Es ist eine Sache, einen Poussin zu betrachten, aber eine ganz andere, die Figuren zu zeichnen und in das Unternehmen des präzisen Geschichtenerzählens und der klassischen Konstruktion einzusteigen.

Für eine kürzlich erschienene Serie von Bildern von New Yorks Massen habe ich ziemlich viele Studien nach Pieter Bruegel the Elder sowie Versionen von Londoner Szenen von William Hogarth und Thomas Rowlandson durchgeführt. Ich wollte verstehen, wie diese großen Künstler mit einer großen Anzahl von Figuren und orchestrierten Aktionen umgingen. Ich war auch fasziniert zu entdecken, wie sie durch Gesten, Übertreibungen und Karikaturen Drama hinzufügten. Als ich überlegte, einen Blick auf den Bootsteich im Central Park zu malen, fand ich es amüsant, niederländische und englische Meeresmalerei zu zitieren, ebenso wie Skizzenbuchstudien von William van de Velde und J.M.W. Turner.

Mein zweites Skizzenbuch-Thema war die Sammlung von Figuren für meine Gemälde der letzten Jahre. Einige davon stammen aus dem Leben, aber viele weitere basieren auf meinen Fotografien und Videos. Nachdem ich eine Figur im richtigen Moment für das gewünschte Drama eingefroren habe, kann ich zeichnen, übertreiben und verzerren, bis ich das Bild bekomme, das ich brauche. Es gibt ein Kontinuum zwischen Fotografieren und Skizzieren auf der Straße und anschließendem Erkunden der Bilder anhand weiterer Skizzen im Studio.

Zuletzt erstelle ich allgemeine Skizzen von fast allem, was mir auffällt - ein Paar Stiefel, die auf dem Boden liegen, eine Szene in einem Einkaufsviertel am Flughafen, ein goldener Nachmittag in einem englischen Park. Die Qualität dieser Dinge ist notwendigerweise unterschiedlich, mit der verfügbaren Zeit und der Gelegenheit. Ich war immer schlecht darin, meine Aktivitäten mit Menschen zu verschleiern, und ich werde oft auf halbem Weg durch das Zeichnen von jemandem gerumpelt und verliere sie so.

Fertige Zeichnungen

Außerhalb meiner Skizzenbücher habe ich kürzlich im Studio mit dem Pinsel gezeichnet, um eine neue Serie von Gemälden vorzubereiten. Mit einer monochromen Gouache auf Aquarellpapier bekomme ich einen weichen und eher romantischen Look, der perfekt für das Gartenmotiv ist, das ich erforsche. Ich versuche, ein viel ruhigeres Gefühl zu bekommen als meine jüngsten Bilder von New York City, also baue ich diese Zeichnungen mit Tausenden winziger Pinselspuren und behalte eine gewisse Zurückhaltung bei. Ich nehme an, da ich sowohl Waschmittel als auch Linien verwende, sind die Zeichnungen auf halbem Weg zu Aquarellen, aber dann haben viele große Künstler gewöhnlich mit dem Pinsel gezeichnet, am bekanntesten Goya.

Diese neuen Zeichnungen sind ziemlich aufwendig und dauern zwei oder drei Tage. Ich beginne ohne Bleistiftlinie und beginne mit ein paar sehr leichten Gouachetupfern, um die Hauptproportionen festzulegen. Ich arbeite mit der Fotografie, die ich vor einigen Jahren in England gesammelt habe, und oft nähe ich mehrere Bilder gleichzeitig zusammen, sodass ich nur eine gebrochene Sicht auf mein Motiv habe. Ich bin fasziniert davon, die Zeichnung während der Arbeit zu erstellen und zuzulassen, dass Raum- und Proportionsanomalien in den Prozess einfließen. Ich bekomme ein sanft flexibles Gefühl für den Raum, das niemals passieren könnte, wenn ich mich genau an ein mechanisches Rendering gewöhnt hätte. Ich bin oft überrascht zu sehen, wie verschiedene Arten von Untertönen, Atmosphären und Gefühlen auftauchen und das Bild bewohnen, das von Teilen von mir beschworen wird, über die ich keine Kontrolle habe. Die Welt wird auf eine neue und faszinierende Weise lebendig, und das spornt mich zum nächsten Stück an.

Ich bin gerade dabei, mit der Arbeit an Ölen in diesem Sinne zu beginnen und freue mich, dass meine nächste Show ganz anders aussehen wird als meine letzte. Ich war immer abgeneigt, dieses Jahr die gleiche Arbeit zu machen wie letztes Jahr. Kunst machen sollte ein Nervenkitzel sein, ein Akt der Erforschung und Entdeckung, ein Schritt ins Unbekannte. Dies ist natürlich eine Ansicht, die zu Fehlern, Fehltritten und Verlegenheiten führen wird. Aber wenn Sie kein Versagen riskieren, können Sie niemals wirklich am Leben sein, und Kunst zu machen ist sicherlich eine der besten Möglichkeiten, um am Leben zu sein, die es gibt.

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John A. Parks ist ein Künstler, der von der 532 Gallery Thomas Jaeckel in New York City vertreten wird. Er ist außerdem Lehrer an der School of Visual Arts in New York City und schreibt regelmäßig Beiträge für Zeichnungsowie der Autor des Buches Universelle Prinzipien der Kunst. Sehen Sie sich seine Arbeit auf johnaparks.com an.


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