Kunstgeschichte

Die Farbe der Musik

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Vier berühmte Maler verwendeten die Prinzipien der Musik, um Komposition und Farbe voranzutreiben

Jeder bildende Künstler, der auch Musiker ist, wird bezeugen, dass die Welten der Malerei und Musik eine Fülle von Gemeinsamkeiten teilen. Zwei Dialekte einer Sprache, diese getrennten Kunstformen haben sich lange Zeit gegenseitig beeinflusst und entlehnt, und ihre austauschbaren Terminologien - Komposition, Farbe, chromatische Skala, Tonalität und Rhythmus, um nur einige zu nennen - zeigen, wie familiär ihre Verbindung ist.

Über theoretische Begriffe hinaus teilen visuelle Kunst und Musik jedoch auch die Fähigkeit, Stimmung, Bewegung und Emotionen zu vermitteln, wodurch beim Betrachter eine starke viszerale Reaktion hervorgerufen wird. So wie Musiker und Sänger wissen, wann sie in der richtigen Stimmung sind, können auch bildende Künstler spüren, wenn sie einen harmonischen „Akkord“ getroffen haben und die Komposition und Farbe singen.

JEAN-AUGUSTE-DOMINIQUE INGRES

Einige Maler im Laufe der Geschichte, insbesondere diejenigen, die die Moderne mitgestalteten, waren stark von Musik und Musikalität beeinflusst. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867), ein französischer Neoklassiker, dessen häufiger Bruch mit der Tradition und Übertreibung der Formen später Pablo Picasso und Henri Matisse inspirierte, spielte als Student auch die zweite Geige im Orchestre du Capitole de Toulouse.

Im Laufe seiner Karriere hat das sich entwickelnde Wissen des Künstlers über die musikalische Struktur seine Entwicklung und Theorien als Zeichner, Maler und Lehrer maßgeblich beeinflusst. Seine Gespräche und Kollaborationen mit den Komponisten Charles Gounod (1818–93) und Franz Liszt (1811–86) waren besonders einflussreich, und Ingres war dafür bekannt, dass er während seines Unterrichts an der Französischen Akademie in Rom und an der École des Beaux-Arts in Rom häufig Analogien zur Musik machte Paris.

"Wenn ich Sie alle zu Musikern machen könnte, würden Sie als Maler davon profitieren", sagte er seinen Schülern. „Alles in der Natur ist Harmonie; ein wenig zu viel oder zu wenig stört die Skala und macht eine falsche Note. … Die Richtigkeit von Formen ist wie die Richtigkeit von Klängen. “

JAMES MCNEILL WHISTLER

James McNeill Whistler (1834–1903) war der Synergie zwischen Kunst und Musik nicht fremd. Mitte der 1860er Jahre begann er, seine Bilder mit musikalischen Begriffen wie Symphonie, Arrangement und Nocturne zu betiteln, wobei er auf die Korrelation zwischen den Variationen des Musiktons und den Variationen des Farbwerts hinwies.

Im Gegensatz zu Ingres, der die Harmonie der Natur betonte, bot Whistler eine Alternative zum Naturalismus. Er war Pionier einer Kompositionstechnik, die auf den Möglichkeiten der Farbe selbst und den abstrakten Qualitäten der Bildebene basiert.

Er illustrierte diese und andere Punkte mit musikalischen Metaphern in seiner berühmten Ten O’Clock Lecture, deren Grundsätze für die bevorstehenden postimpressionistischen und abstrakten Bewegungen grundlegend waren. "Die Natur enthält die Elemente in Farbe und Form aller Bilder, da die Tastatur die Noten aller Musik enthält", sagte Whistler. „Aber der Künstler ist geboren, um diese Elemente auszuwählen und mit der Wissenschaft (Wissen) zu gruppieren, damit das Ergebnis schön ist - wenn der Musiker seine Noten sammelt und seine Akkorde formt, bis er aus dem Chaos herrliche Harmonie hervorbringt. ”

Wenn Ingres Liszt und Gounod als Brüder in der Komposition hatte, hatte Whistler den Respekt von Claude Debussy (1862–1918), wie sich zeigte, als Debussy 1899 seine Orchesterkomposition debütierte Nocturnes, inspiriert von Whistlers späteren Gemälden.

WASSILY KANDINSKY

Als die frühe Moderne und die avantgardistische Farbtheorie eintrafen, war Musik mehr als nur eine Information über die Malerei. Insbesondere Wassily Kandinsky (1866–1944) und Paul Klee (1879–1940) waren von der Musik so beeinflusst, dass man sie als Komponisten bezeichnen könnte, die ihre Musik mit Farbe schufen, anstatt als Maler, die von der Musik inspiriert waren.

Kandinsky glaubte, abstrakte Malerei sei der beste Weg, um die melodische, spirituelle und poetische Kraft der Musik nachzubilden. Er verbrachte seine Karriere damit, die symphonischen Prinzipien der Musik auf die Anordnung von Farbnoten und Akkorden anzuwenden.

Er war besonders inspiriert von Synchromism - einer Bewegung, die auf der Idee basiert, dass Farbe und Klang ähnliche Phänomene sind - und dem Komponisten Arnold Schoenberg (1874–1951), mit dem er befreundet war und mit dem er zusammenarbeitete, um bestimmten Noten Noten zuzuweisen. In seiner Veröffentlichung von 1911 In Bezug auf das Geistige in der KunstKandinsky erklärte, dass „Musik der ultimative Lehrer ist“, und erläuterte die Ideen der Synästhesie, der Verschmelzung zweier Sinne - in diesem Fall Ton und Bild.

PAUL KLEE

Wenn Whistler aufgrund der Improvisationen der Musik eine bemerkenswerte Wendung vom Naturalismus machte und Kandinsky an der Klangstruktur arbeitete, um ähnliche visuelle Schwingungen und Frequenzen zu erzeugen, ging Paul Klee (wie Ingres, ein erfahrener Geiger) in seiner Entwicklung einen Schritt weiter Zwei wichtige Farbtheorien: der Kanon der Farbtotalität und die polyphone (viele Stimmen) Malerei.

Klee betrachtete Komponisten des 18. Jahrhunderts wie Mozart und Bach als Höhepunkt musikalischer Errungenschaften. Er fühlte, dass die Komponisten seiner Zeit - Bruckner, Wagner und insbesondere Strauss - nur an der Oberfläche ausdrucksvoller wirkten, aber tatsächlich an die Melodie und den Takt ihrer eigenen Musik gekettet waren.

Diese Behauptung wurde zum Ausgangspunkt seiner Karriere-Mission, die Musik des Goldenen Zeitalters zu dekonstruieren und auf die Malerei anzuwenden, um den Künstlern eine größere Ausdruckskraft zu verleihen. Seine Theorie über die Farbe der Tonalität, die während des Unterrichts am Bauhaus entwickelt wurde, untersuchte die Beziehung und Bewegung zwischen Farben, wie beispielsweise die Kreisbewegung zwischen Primär- und Sekundärfarben.

In seinen Gemälden, die seine polyphone Theorie veranschaulichten, wurde untersucht, wie sich der Klang eines Gemäldes aufgrund der Anzahl der verwendeten Elemente und Stilmittel veränderte. In seinen Theorien behauptete Klee, dass Rhythmus die Bewegung der Zeit sowohl in der Musik als auch in der Kunst kennzeichnet.

"Ich werde ständig auf die Parallelen zwischen Musik und bildender Kunst aufmerksam gemacht", schrieb Klee. „Es ist sicher, dass beide Kunstformen durch die Zeit definiert sind. Das kann man leicht beweisen. “

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Artikel von Allison Malafronte geschrieben und erstmals im Artists Magazine veröffentlicht.


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